Saymon Nunes

Escala menor (modo Eóleo)

2010-10-26T15:15:00.000-07:00

Uma forma rápida e prática de entender a escala menor natural (também conhecida como modo Eóleo) é pensarmos nela como uma escala maior começando pelo VI grau da escala. Como assim?

Pegue com exemplo a escala de DO maior (conhecida como modo Jônio – Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si e Do) e chame cada nota da escala de grau: Iº grau Do, IIº grau Ré, IIIº grau Mi, IVº grau Fa, Vº grau Sol, VIº grau Lá e VIIº grau Si, pensando dessa forma ache o VIº grau que no caso é Lá, toque do Lá até o próximo Lá, agora sua escala ficou assim (La, Si, Do, Re, Mi, Fa e Sol), pronto, essa é sua escala menor.

Esse conteúdo é o mais simples, é a abordagem mais básica de todas, mas já da pra você começar a experimentar a sonoridade do modo menor na sua improvisação, futuramente falarei mais sobre o modo menor. Experimente aplicar a escala sobre esse playback.

Obs.: Coloquei um playback em Dm, ou seja, a escala será de F maior, então é só pegar o VIº que será Re.

Ouça Carlos Santana, ele explora de forma fantástica o modo menor.

Dm - Escala menor natural

2010-10-26T10:48:00.000-07:00

Fortalecendo os músculos

2010-03-12T07:30:00.000-08:00

Olá, hoje o assunto é mais técnico, vamos estudar palhetadas e ligados.

Primeiramente vamos entender como funciona nossos músculos.

Quando exercitamos intensamente um músculo em um sentido, ele se fortalece nos primeiros minutos, depois cansa. Com isso, o exercício passa a não render, a não ser que você pare por alguns minutos e retorne algum tempo depois. Ai sim ele volta a desenvolver, depois volta a cansar novamente, sempre assim...

Basicamente temos duas formas de tocar na guitarra: palhetando ou ligando as notas. Enquanto a palhetada força a mão direita e relaxa a esquerda, o ligado força mais a esquerda e relaxa a direita.

No exercício abaixo coloquei as duas opções, intercalando a palhetada com o ligado, isso fará com que alguns músculos respirem enquanto outros trabalham. (você também pode palhetar tudo ou ligar tudo).

O exercício abaixo está na tonalidade de Do Maior, somente sobre a corda Sol. Lembrando que todos os exercícios deve ser praticados em todas tonalidades.

Bom trabalho e não se esqueça de parar pra respirar!!!

Use o metrônomo, comece lento e aumente a velocidade gradualmente.

Abraço!!!

Escala menor melódica

2010-01-26T03:28:00.000-08:00

Olá, nada melhor pra começar o ano de 2010 a todo vapor do que tocar uma escala menor melódica, deixe um pouco de lado aquela velha e boa pentatônica e decore a escala no braço todo da guita.

A escala menor melódica (T, 2m, 3m, 4J, 5J, 6M e 7M) é uma variação da escala menor natural (T, 2m, 3m, 4J, 5J, 6m e 7m) só que com duas diferenças, ao invés da 6m e 7m temos a 6M e 7M.

Isso na tonalidade de LA fica:

Menor natural: LA SI DO RE MI FA SOL LA

Menor melódica: LA SI DO RE MI FA# SOL# LA

Teoricamente essa escala é tocada no sentido ascendente, ou seja, do grave para o agudo, já no sentido descendente, agudo para o grave, toca-se os mesmos intervalos da escala menor natural (Exemplo abaixo), mas na música popular ela descer e sobe com seus mesmos intervalos de 6M e 7M.

Agora aplique sobre esse playback em Gm que esta abaixo e experimente...

Playback em Gm

O que fazer para não matar o vizinho

2009-11-27T04:34:00.000-08:00

Imagine-se em uma bela noite de verão, sentado na calçada tocando violão em uma rodinha de amigos. Aí um deles sugere uma música... isso, exatamente aquela que você toca perfeitamente nota por nota de trás pra frente... só que esse amigo infeliz fala que a música está em um tom muito baixo para cantar e sem pestanejar diz:

- Sobe ai uns 2 ou três tons!!!

Nesse momento você tem algumas opções...

1º Dizer que já está tarde e precisa entrar pra casa para dormir.

2º Sugerir uma pizza.

3º Dizer que essa música é chata

4º Abaixar a cabeça e dizer: - Eu naum consiiiigo.

5º Rapidamente definir quantos tons vai subir e começar tocar.

Se você optar pela 5ª opção saiba que para isso você terá que ter alguma noção de intervalos e matemática.

Se a música está no tom de Do e você for subir 2 tons, chegará a Mi, logo todas as outras notas da harmonia deveram subir 2 tons também.

Exemplo no tom de Do // C7+ / Em7 / F7+ / Dm7 G7 //

Sobe 2 tons cada acorde

Exemplo no tom de Mi // E7+ / G#m7 / A7+ / F#m7 B7 //

Se a música estiver muito alta e quiser abaixar 2 tons é só voltar.

Exemplo no tom de Do // C7+ / Em7 / F7+ / Dm7 G7 //

Desce 2 tons cada acorde

Exemplo no tom de La // Ab7+ / Cm7 / Db7+ / Bbm7 Eb7 //

Agora é só pôr o cérebro para funcionar, faça o mesmo em outras músicas...

Boa sorte!!!

Amigo pattern - mixolídio

2009-10-16T09:47:00.000-07:00

Hoje a escala da vez é o modo “Mixolídio”, que nada mais é do que a escala maior com a sétima menor, por exemplo, a escala de DO maior (modo Jônio) Do, Re, Mi, Fa, Sol, La e Si, agora trocamos a sétima maior (Si) pela sétima menor (Sib), prontinho!

Modo Jônio - Do Re Mi Fa Sol La Si

Modo Mixolídio - Do Re Mi Fa Sol La Sib

Cada modo possui uma nota característica, ou seja, nota que se diferencia do modo maior ou menor natural, como assim? O modo jônio é a escala maior natural, o mixolídio por ser um modo maior, tem uma nota que se diferencia do modo jônio, portanto essa nota é a nota característica (7m).

Essa nota é uma das mais importantes quando tocamos o modo, ela que vai dizer que o modo é mixolídio, se não a tocarmos não terá diferença nenhuma do modo jônio, concorda?

Coloquei um pattern sobre o modo de DO mixolídio (ver quadro abaixo com a tablatura).

Ex.1 toque 2 NPT (Notas Por Tempo)

Ex.2 toque 3 NPT

Ex.3 toque 4 NPT

Ex.4 toque 5 NPT (isso mesmo, 5 NPT, grande desafio)

Ex.5 toque 6 NPT

Ex.6 um compasso com 3 NPT e outro com 4 NPT

Ex.7 dois tempos com 3 NPT e dois tempos com 4 NPT

Ex.8 um tempo 3 NPT e um tempo 4 NPT.

Aplicação de 2, 3, 4, 5 e 6 NPT em um playback

Portanto deixe de ver novela e pratique, pratique, pratique o modo e os pattern até ficar no mínimo bonzinho. Grande abraço!!!

(coloquei na tablatura apenas com as notas do pattern, a divisão é com vocês)

Digitação do “mixo” com tônica na 6ª corda.

Blues ou Jazz?

2009-09-29T15:26:00.000-07:00

Olá galera, nesse improviso fiz algo não tão convencional no que se trata de improvisação no blues, "a harmonia é a basicona", não permaneci apenas na escala pentatônica de LA maior ou menor, fui pensando em cada acorde e adicionando escalas, arpejos, aproximações, etc. Será que isso é blues ou jazz?

Utilizei:

* Pentatônicas maiores.
* Pentatônicas menores.
* Escala blues.
* Arpejos dominantes.
* Arpejos diminutos.
* Aproximações cromáticas.

Ouçam e mandem suas opiniões ou dúvidas!!!

Valeu!!!

Blues

2009-09-17T13:35:00.000-07:00

Olá povo...

Vamos tocar blues!!!

Primeiramente vale lembrar que o blues possui várias formas diferentes, a mais conhecida é a aquela tradicional de 12 compassos.

O blues convencional é formado praticamente por 3 acordes dominantes, ou seja, acordes maiores com 7. Analisando o acorde dominante vemos na sua formação a (T) tônica, (3ªM) terça maior, (5ªJ) quinta justa e (7m) sétima menor, mas a “essência” desse acorde é a 3ª e

a 7ª, a tônica e 5ª podem ser descartadas, a não ser que você faça questão delas, mas temos outras notinhas que podemos colocar no lugar delas e que fará com que sua harmonia soe bem mais interessante, uma substituição válida é a troca da tônica pela 9ª (nona = 2ª maior uma oitava acima) e a 5ª pela 13ª (décima terceira - 6ª maior uma oitava acima, se você não entendeu nada então ta na hora de estudar intervalos) colocá-las ou não fica a seu critério.

Outra variação muito interessante é a inversão, que é a mudança da nota mais grave do acorde, por exemplo, o acorde de C7 tem na sua formação Do (tônica), Mi (3ª), Sol (5ª) e Sib (7ª), a nota mais grave do acorde é o próprio Do, se eu coloco o Mi como nota mais grave posso dizer que esse acorde de C7 está invertido, na cifragem ficaria assim C7/E, pode-se fazer isso também com a 5ª (C7/G) e com a 7ª (C7/Bb) esse é um assunto bem legal mas nessa aula não vou me aprofundar muito nisso. Veja os acordes abaixo e “manda vê...”

Obs: As notas em vermelho são as tônicas, ai é só arrastar para a casa da nota que deverá ser tocada.

Eddie Van Halen

2009-09-11T16:15:00.000-07:00

Eddie Van Halen - Van Halen (1978)

Click na imagem para baixar o CD.

O ano era 1978 o auge da revolução punk nos Estados Unidos e principalmente na Inglaterra. O que se via era um monte de guitarristas que não eram guitarristas, baixistas que não eram exatamente baixistas e bateristas, bem vocês já sabem o que né? Vamos poupar letras. Então, eis que surge uma banda intitulada Van Halen que acabara de lançar o disco de estréia pela (na época pequena) gravadora Warner. Bem todos pensaram: ”Lá vem mais uma banda punk influenciada por Sex Pistols falando sobre anarquia, guerras e por ai vai” mas eles erraram feio!!! Van Halen tinha na sua formação o guitarrista Edward Van Halen, o seu irmão mais velho Alexander Van Halen, baterista, o baixista Michael Antony e o louco, acrobático, energético e também vocalista David Lee Roth, criava músicas altamente “pra cima”, irônicas, sacanas e com poder de hipnotizar quem ouvisse.

O disco auto intitulado em suas onze faixas é fenomenal. Produzido por Ted Templeman (que após ver um show deles em los Angeles não pensou duas vezes em arrumar um contrato para a banda). Ed Van Halen não inventou, mas foi um dos primeiros guitarristas a trazerem a técnica de tapping para o rock.

Johnny B. Goode (Chuck Berry)

2009-09-11T12:44:00.000-07:00

Joe Satriani

2009-08-21T04:19:00.001-07:00

Joe Satriani - Surfing With The Alien

Click na imagem para baixar o CD.

Em 1987, o “Quarteto Fantástico” de Joe Satriani – visão musical, técnica, timbre e composição se juntou para reinventar o álbum instrumental de guitarra.

“Eu não queria que meu álbum seguinte fosse um disco bizarro, esquisito, como o meu disco de estréia, Not of This Earth”, diz Joe Satriani, enquanto se acomoda numa cadeira em seu home studio, em San Francisco. “Eu queria que meu próximo disco explorasse seu potencial máximo. Quero dizer, por que um disco instrumental de guitarra não podia soar rock como Queen ou Pretenders e ter a energia do Van Halen? Quando tive o sinal verde para fazer Surfing with the Alien, me senti o cara mais sortudo do mundo”.

Satriani então seguiu em frente para lançar o equivalente guitarrístico de uma bomba atômica. Surfing with the Alien tornou-se o primeiro disco de rock instrumental de guitarra a entrar no Top 200 da Billboard, chegando a número 29. Também gerou três hits e rendeu a Satriani um disco de platina.

Fontes inspiradoras

2009-08-07T10:11:00.000-07:00

Olá pessoal, me desculpem pelo sumiço, estava mudando de casa, quem já mudou sabe que é a maior loucura, o que você imagina que vai dar certo da errado e o que você imagina que vai dar errado da mais errado ainda, mas é a vida, o importante é transformar tudo isso em música. Viagem? Não!

Tudo o que acontece em nossas vidas influencia diretamente no que tocamos, imagine que você terminou seu namoro, um cachorro te mordeu na rua e quando você chegou em casa sua mãe te obrigou a lavar a louça do almoço… aí é dureza!!! Seu estado psicológico está abalado, antes de todos esses acontecimentos você tocava de uma forma, agora quando for improvisar poderá soar a coisa mais horrível do mundo, ou não, poderá ser ao contrario, antes você poderia não ter tanta “inspiração”, aí foi só acontecer isso tudo para você tocar com mais pegada, feeling, sem limites, poderá ousar mais, experimentar colocar uma (7M) sétima maior sobre a escala menor natural ao invés da (7m) sétima menor… enfim nessa coluna de hoje trouxe um elemento novo ao improviso, é a escala menor harmônica.

Diferentemente da escala menor natural (eóleo) que con

tém (T) tônica, (2M) segunda maior, (3m) terça menor, (4J) quarta justa, (5J) quinta justa, (6m) sexta menor e (7m) sétima menor, a menor harmônica possui a (7M) SÉTIMA MAIOR… CARAMBA…

Neste exercício coloquei um padrão melódico sobre a escala de La menor harmônica, soa bem interessante, principalmente se executado rápido, no mínimo 120 BPM.

Então misture tudo isso e mais um pouco e coloque pra fora em forma de notas musicais tudo aquilo que passa na sua cabeça. Boa terapia!

E agora, quem poderá nos defender...?

2009-07-12T11:49:00.000-07:00

E aeee galera... Imagine que, após vários e-mails, ligações, torpedos, recados na caixa postal... finalmente você consegue marcar um horário no estúdio com toda a galera da banda... ufa, que trabalho que dá... chegando lá cada um vai para seu canto montar sua aparelhagem, o baterista, louco pra mostrar seu exercício com bumbos em sextinas, começa fazendo uma levada em andamento lento só para chamar a atenção, acelerando aos poucos de uma forma super empolgante, em seguida o baixista, após assistir um vídeo do “Victor Wooten” manda uma levada “funkeada” com frases avassaladoras em sextina com slap.... o estúdio treme... , nesse momento o vocalista já se sente 66,66 % mais seguro, discretamente todos se viram para você com um simples olhar dizendo: - E ai? faz algo para encaixar nessa levada...
E agora?
Aquele seu power chord já não será mais suficiente, eles querem mais, querem algo mais “Prog”, nesse momento a única coisa que passa pela sua cabeça é o arrependimento de ter ficado horas e horas no msn discutido futebol e falando mal da professora de física ao invés de ter sentado com a guitarra na mão treinando em “looping” esses exercícios em sextinas sobre a pentatônica m7 escrita abaixo.
Então ainda da tempo de afiá-los.
Guitarra na mão e metrônomo ao lado.
Bom estudo!!!

Contato:

2009-07-12T06:57:00.000-07:00

Jeff Beck‏

2009-07-06T08:10:00.000-07:00

Que desafio!!!

Escrever sobre Jeff Beck é uma grande “responsa”. Muitos amam, outros odeiam, mas uma coisa é inegável: o som desse cara, nascido em 1944, em Surrey, na Inglaterra, é único, é inovador, é diferente, é de tirar o chapéu!!!

Sua história é emocionante, cheia de detalhes, com a presença de grandes nomes da música, interligando diferentes fatos com a formação de bandas famosas que continuam até hoje. Vale a pena ler e conhecer mais sobre ele!

Com 08 anos de idade, no período pós 2ª Guerra Mundial, os pais de Jeff Beck ouviam muita música e resolveram colocá-lo em aulas de piano que tomavam 02 horas por dia. Num certo momento Jeff “arrancou” uma das teclas pretas do piano de sua mãe e as aulas acabaram por aí. Logo em seguida teve aulas de violino e violoncelo com um tio da família (provavelmente veio daí a sua influência clássica), mas também não deu muito certo.

Com 13 anos comprou a sua 1ª guitarra (uma Fender) e ligou atrás do “rádio” de seu pai, tentando tirar alguns sons e com 15 anos entrou para a sua 1ª banda, chamada “Deltones”. Foi nessa época que conheceu o amigo Jimmy Page, através de sua irmã que estudava com Jimmy e disse para ele que seu irmão também tinha uma guitarra Fender. A partir daí se encontravam sempre para tocar.

Em 1962, com a explosão do Blues com sons de Ottis Rush, Buddy Guy, Jimmy Reed, etc. influenciando também o guitarrista Eric Clapton, Jeff Beck ficou “antenado” e já fez sua 1ª opção dizendo que preferia o estilo “selvagem” de Buddy Guy. Em 1963, seguindo este caminho Jeff entrou para a banda “Tridents” onde começou os seus “experimentos” e “inovações” com a guitarra.

Em 1965 Eric Clapton tinha saído da já famosa banda “Yardbirds” e o 1º convite para novo guitarrista foi feito para Jimmy Page que na época já tinha contrato com bandas como The Kinks e Stones e resolveu indicar o amigo Jeff Beck para a banda. Jeff ficou 18 meses nos Yardbirds levando a banda para um sucesso ainda maior devido ao seu desempenho como guitarrista. Foi como disse recentemente o fundador da banda, Mr. Chris Dreja: “O período mais criativo dos Yardbirds foi com Jeff Beck.” Detalhe: nos últimos 05 meses na banda Jeff foi acompanhado por Jimmy Page, que no início tocou baixo e depois foi para a guitarra, sendo em seguida o substituto de Beck nos Yardbirds. Beck saiu da banda porque estava exausto e frustrado, ele buscava algo mais, musicalmente falando.

Em 1966, após sair dos Yardbirds, Beck chamou os amigos Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (baixo) e Keith Moon (bateria) e gravou a música “Beck’s Bolero”, que foi o lado B de seu 1º “single” chamado “Hi Ho Silver Lining”. Alguns dizem que foi daí que surgiu o “embrião” do Led Zeppelin (Page e Jones).

Depois do “single” formou a banda “The Jeff Beck Group” chamando Ron Wood (depois Rolling Stones) para o baixo e o “futuro frontman” Rod Stewart para os vocais, além de Aynsley Dunbar para a batera. Com esta formação lançou o seu 1º disco chamado “Truth” (1968), que ficou conhecido como o precursor do “heavy rock”. Em seguida, com a entrada de Nicky Hopkins (teclados) e Tony Newman (bateria), lançou “Beck-Ola” (1969) e seguiu em turnê pelos E.U.A. Em 1970 Rod Stewart e Ron Wood saíram da banda para formar o grupo “Faces” e o Jeff Beck Group acabou. Neste mesmo ano Beck sofreu um sério acidente de carro (outra de suas paixões) e recuperado, em 1971, formou uma nova banda com o tecladista Max Middleton, o baterista Cozzy Powell, o baixista Clive Chaman e o vocalista Bobby Tench gravando 02 álbuns: “Rough and Ready” (1971) e “Jeff Beck Group” (1972), sem muito sucesso (aliás ele nunca buscou muito isso!).

Com a dissolução da banda Cactus, em 1972, Jeff Beck chamou Tim Bogert (baixo) e Carmine Appice (bateria) para formar o grupo BBA (Beck, Bogert, Appice) lançando os discos “Beck, Bogert & Appice” (1973) e “BBA Live in Japan” (1973), este último lançado somente no Japão.

Após um tempo parado, em 1975 Jeff convidou o produtor George Martin (ex-Beatles) e lançou dois de seus mais famosos LP’s, incursionando pelo som instrumental-jazz e obtendo enorme sucesso com os álbuns “Blow by Blow” (1975) e “Wired” (1976), sendo que estes foram os discos de rock instrumental que mais venderam em todos os tempos!! Aproveitando este momento Jeff se uniu ao tecladista Jan Hammer (ex-Mahavishnu Orchestra) e gravou a turnê de Wired, lançando “Jeff Beck with Jan Hammer Group – Live” (1977).

Em 1980, ainda com a contribuição de Jan Hammer, Jeff lançou “There and Back” e só voltou a gravar em 1985 com o álbum “Flash” que marcou o retorno da parceria Beck – Rod Stewart no clássico “People Get Ready” e que também rendeu o prêmio Grammy de Melhor Música de Rock Instrumental com “Escape”.

Até 1989 Jeff Beck tocou em álbuns e shows de diversos artistas como Tina Turner, Mick Jagger, Stanley Clarke e Diana Ross, mas sempre foi atrás de “novos sons”, novas experiências musicais, buscando um estilo próprio. Foi daí que surgiu o disco “Jeff Beck’s Guitar Shop” (1989) com Terry Bozzio (ex-Frank Zappa) na bateria e Tony Hymas nos teclados. Este disco deu o 2º Grammy para Jeff Beck como Melhor Álbum de Rock Instrumental. Curiosidade: deste disco Jeff fez uma turnê onde chamou Stevie Ray Vaughan para acompanhá-lo nas guitarras!

Em 1991 foi lançada a caixa “Beckology”, com 03 cd’s e um livreto com toda a história e músicas de Jeff Beck em suas diversas “fases”, desde os Yardbirds até o cd “Jeff Beck’s Guitar Shop”. Em 1993 Beck gravou “Crazy Legs”, uma homenagem ao seu ídolo do “rockabilly” Gene Vincent e seu guitarrista Cliff Gallup.

Só em 1999 Beck voltou com o disco “Who Else!” onde mostra com intensidade o seu interesse pela música eletrônica.
Dois anos depois lança “You Had It Coming” (2001), também recheado de eletrônica e que lhe conferiu o 3º Grammy pela música “Dirty Mind”, escolhida como Melhor Rock Instrumental.

Seu último trabalho se chama “Jeff” (2003) e demonstra a fascinação de Beck pela música eletrônica e o seu envolvimento com músicos jovens de hoje, sempre inovando, sempre buscando um diferencial em sua música.

Como Jeff Beck já disse: “Usando a mesma guitarra que muitos usam há 50 anos eu busco meios de tirar sons que ninguém nunca ouviu. Adoro quando as pessoas escutam minha música e não sabem que instrumento estou usando. Toco deste jeito porque consigo tirar os sons mais “doentes” possíveis. Não ligo para regras, se eu não quebrar as “regras” no mínimo 10 vezes em cada música, então não estou fazendo meu trabalho direito!”

Por isso é que Jeff Beck é conhecido como Rei dos Truques na guitarra e, o mais impressionante é que geralmente ele usa um amplificador, uma guitarra e suas mãos, nada mais! Eric Clapton já disse: “Com Jeff é assim, está tudo em suas mãos!” Enfim, Jeff Beck não é uma “lenda” típica da guitarra, ele é muito mais do que isso pois não se “vendeu” à fama e preferiu inovar, mudar, chocar, seguir os seus desejos musicais!! Valeu Jeff!!!!!!!

DISCOGRAFIA:
Truth (68)
Beck-Ola (69)
Rough & Ready (71)
Jeff Beck Group (72)
Beck, Bogert & Appice (73)
BBA Live in Japan (73)
Blow by Blow (75)
Wired (76)
Jeff Beck with Jan Hammer Group – Live (77)
There and Back (80)
Flash (85)
Jeff Beck’s Guitar Shop (89)
Beckology (91)
Crazy Legs (93)
Who Else! (99)
You Had It Coming (2001)
Jeff (2003)

(Ernesto Wenth Filho)

Tríades com brinde...

2009-06-29T07:37:00.000-07:00

E aeeee galera...

Começarei falando sobre a formação do acorde com três notas (Tríades). A tríade é formada pela tônica (T), terça (3ª) e quinta (5ª). O Exercício 1 está partindo da sexta corda e está escrito em Do Maior, ou seja, Do (tônica), Mi (3ª maior) e Sol (5ª justa). Após fazer a tríade exaustivamente e achar que já não tem muita graça tocá-la na velocidade sugerida, então se prepare, aqueça sua mão direita, respire fundo, segure firme a palheta, concentre-se... lá vai então... Exercício 2, aqui adicionei a nona, teoricamente você terá um belo ARPEJO de Cadd9 ou simplesmente uma tríade com nona, óóóóóhhhhhhh...

Próximo passo é você tentar transformar essa tríade em menor (T, 3m e 5J), depois coloque a nona... agora não perca a oportunidade de colocá-los em seus improvisos, não esqueça a careta, pois uma pela “arpejada” merece uma “caretada”...

Sendo assim, boa sorte!!!

Exercício 1

Lento

Rápido

Exercício 2

Lento

Rápido

STEVIE RAY VAUGHAN

2009-06-26T11:52:00.000-07:00

Nascido em 03 de outubro de 1954, em Dallas, no Texas, Stevie começou a gostar de música através de seu irmão mais velho Jimmie Vaughan, que era guitarrista e tinha uma coleção de discos que ia desde Jimmy Reed, Albert King, Freddie King e B.B. King até Kenny Burrel, Albert Collins, Charlie Christian e Django Reinhardt.

Com 08 anos de idade teve seu primeiro contato com uma guitarra, nas palavras do próprio Stevie: “eu queria tocar bateria, mas não tinha uma. Então, queria saxofone, mas a única coisa que eu conseguia era tirar alguns poucos ruídos. Como meu irmão mais velho tocava guitarra, eu imaginei que poderia tentar também. Ele as deixava pela casa e foi assim que comecei”.

Em 1968, Stevie comprou sua 1ª guitarra (uma Les Paul TV, 54) e montou sua primeira banda a “Blackbird”. Logo em seguida conseguiu uma Les Paul Gold Top, 52 e começou a tocar com seu colega de escola Tommy Shannon numa banda chamada “The Chantones”.

Em 1969, sob influência pesada de Jimi Hendrix comprou uma Fender Stratocaster, 63 e montou uma banda de colégio a “Cast of Thousands”. Em 1972 saiu da escola e foi para Austin, Texas, onde se juntou à banda “Crackerjack” que tinha Uncle Joe Tuner na bateria e seu amigo Tommy Shannon no baixo (os dois tocavam com Johnny Winter). Foi nessa época que Stevie viu pela 1ª vez, ao vivo, sua maior influência: o mestre Albert King! Ele disse: “eu tinha uma apresentação em algum lugar naquela noite e, após ter executado um rápido set, fui até o microfone e disse: Senhoras e Senhores, eu não sei quanto a vocês, mas vou sair daqui e vou ver o Albert King e se vocês tiverem algum cérebro irão fazer isso também!”. Ao final daquele show Stevie ganhou um aperto de mão e a guitarra de seu ídolo Albert King!

No final de 1973, Stevie foi para a banda “Nightcrawlers” onde ficou por 01 ano, quando se juntou a outro grupo chamado “The Cobras”, onde na verdade começou a ensaiar sua carreira também como cantor. Nessa época, em 1974, Clifford Antone montou um bar que ficou conhecido como o paraíso do Blues e foi no palco do “Antone’s” que Stevie realizou uma “jam” com Albert King, três anos e meio depois daquele 1º encontro. Segundo Stevie a primeira coisa que Albert King fez foi apontar o dedo para ele e dizer: “Eu me lembro de você!” e depois tocaram a noite toda!!

Em 1977, Stevie formou a banda “Triple Threat Revue” que tinha a vocalista Lou Ann Barton e o repertório era basicamente de “covers” de Jimi Hendrix, Janis Joplin e Freddie King.

Em maio de 1979 foi formada a banda “Double Trouble”, ainda com Lou Ann Barton nos vocais, que permaneceu até 1980. Em 81 a “Double Trouble” se tornou realmente um “power trio” com Stevie na guitarra e vocal, Tommy Shannon no baixo e Chris Layton na bateria. Logo a banda ficou conhecida no circuito de bares de Dallas e certa noite foi vista por Mick Jagger e Keith Richards que fez o convite para eles voarem até Nova Iorque e tocarem numa festa particular. Lá, até contrato pelo selo Rolling Stone foi discutido, mas ficou só no papo!

O sucesso começou a aparecer e as notícias do “herói da guitarra de Austin” chegaram aos ouvidos de Jerry Wexler, que conheceu a banda e conseguiu colocar a “Double Trouble” entre as atrações do Montreaux Jazz Festival de 1982, na Suíça. Era um fato inédito, uma vez que a banda não tinha nenhum disco lançado e muito menos um contrato de gravação! A apresentação no Festival foi marcada por vaias do público que esperava um “som” mais ligado ao Jazz e não o Blues Texano de Stevie! Mas na platéia tinha um cara muito famoso chamado David Bowie, que adorou o show e quis falar com Stevie. “Tão logo terminamos o show alguém apareceu nos camarins e nos comunicou que David Bowie queria falar conosco. Nos encontramos no bar dos músicos, onde conversamos por horas.”, disse Stevie. Desse encontro saiu o contrato para Stevie gravar as guitarras do álbum “Let’s Dance”, de David Bowie, e tocar na turnê mundial do astro, que ainda colocou a “Double Trouble” para abrir todos os shows da turnê nos Estados Unidos!

Após a turnê, o produtor Jackson Browne (que conheceu Stevie em Montreaux) ofereceu seu estúdio para a gravação de uma “demo” que foi enviada para o lendário produtor John Hammond (que trabalhou entre outros com Bob Dylan e Aretha Franklin), conseguindo um contrato de gravação com o selo Epic!

Em agosto de 1983 saiu o 1º disco de Stevie, “Texas Flood”, gravado totalmente ao vivo no estúdio, o próprio Stevie relembra a gravação: “No meio de uma das faixas arrebentou uma das cordas de minha guitarra e tive de parar de tocar. Depois de trocá-la, retomamos a música do ponto em que eu havia deixado e fomos até o fim, os três juntos. Os engenheiros começaram a nos olhar com uma cara esquisita, mas nós fizemos só um “take” para esta música”. O álbum “Texas Flood” vendeu, só em 1983, 500.000 cópias! Neste 1º disco, muitas faixas lembram o “power blues” de Jimi Hendrix (como “Red House”), mas apesar das influências serem evidentes, Stevie não é um clone de Hendrix. “Adoro Jimi. Todas as músicas que eventualmente tirei de Hendrix, não utilizei partituras. Faço isso totalmente de ouvido. E, por uma boa razão: eu não sei ler música! Cheguei a ter algumas aulas de teoria musical na escola, mas só fiquei umas seis semanas. Hoje, a maior parte das músicas que faço nem sei em que notas elas estão sendo tocadas, tenho que perguntar a alguém para descobrir. Eu simplesmente posso tocá-las, mas não posso dar nome a elas!”, declarou Stevie.

Em 1984, o 2º álbum, “Couldn’t Stand The Weather” foi lançado e Stevie lutou para incluir neste disco a música “Voodoo Chile”, de Jimi Hendrix, porque sentiu que o público jovem ainda não tinha ouvido o mestre Jimi.

Em 1985, Reese Wynans entra para a “Double Trouble” como tecladista e no final do ano é lançado o álbum “Soul to Soul” que com os teclados e um pouco de “sopros” muda um pouco o “som” da banda, criando um clima mais alegre. Comentário de Stevie sobre este disco: “eu geralmente sinto que apesar de ter crescido como um guitarrista, é estranho, estou sempre tentando voltar para quando eu costumava tocar anos e anos atrás e, ao mesmo tempo, fazer novas idéias crescerem, amarrá-las no que estou fazendo agora. Acho que é como se eu estivesse sempre, simplesmente, lembrando de onde essas coisas todas vieram”.

Em 1986 saiu o álbum duplo ao vivo, “Live Alive”, onde Stevie canta e toca “Superstition”, do seu xará Stevie Wonder. Ele passa um ano e meio tocando em Festivais pela Itália, Alemanha, Bélgica e Holanda, além de abrir a turnê norte-americana do vocalista Robert Plant. No início de 1989 Stevie lança o disco “In Step”, álbum novamente gravado completamente ao vivo no estúdio e na primeira tomada. Este disco tem um “som” mais pesado e as letras refletem o período de dependência química pelo qual Stevie passou e de seu triunfo sobre o vício. “In Step” rendeu a Stevie o Grammy como álbum de Melhor Gravação de Blues Contemporâneo! No início de 1990, junto com seu irmão Jimmie, Stevie gravou o álbum “Family Style”, em Memphis, mostrando que a “família” poderia fazer uma parceria de sucesso.

Mas o ano de 1990 foi muito triste...

Em agosto de 90 Stevie estava em Wiscosin, junto com Eric Clapton, Robert Cray, Jimmie Vaughan e Buddy Guy em um Festival de Blues onde tocaram, todos juntos, “Sweet Home Chicago”, de Robert Johnson. Após a apresentação Stevie pegou carona num helicóptero, com membros da equipe de Eric Clapton, que acabou colidindo contra uma montanha coberta pelo nevoeiro.

Ali morreu Stevie Ray Vaughan, o maior e mais influente guitarrista de Blues & Rock de sua geração. Morreu precocemente, 36 dias antes de completar o seu 36º aniversário!!

Stevie foi enterrado em Dallas, sua cidade natal, onde mais de 3 mil fãs e artistas como Buddy Guy, todos os membros do ZZ Top e tantos outros compareceram para o último adeus.

Adeus a um guitarrista simples e modesto que quando foi perguntado sobre o seu trabalho e importância para a música, respondeu:

“Atualmente parece que não importa o que você faça, já foi feito! Deve ter sido uma coisa maravilhosa aparecer numa hora quando o Blues eletrificado estava se desenvolvendo, na época de T-Bone Walker, Muddy Waters, Hubert Sumlin, Albert King, B.B. King e Freddie King. Deve ter sido uma coisa livre, um sentimento livre de fazer, criar este tipo de música! Eles é que merecem o respeito por serem os inovadores. Aqueles caras são os que realmente merecem todo o reconhecimento!”.

Stevie Ray Vaughan 1954 – 1990

Discografia/DVD’s:

Texas Flood (1983) Live at El Mocambo (1991)
Couldn’t Stand The Weather (1984) Live from Austin, Texas (1995)
Soul to Soul (1985) Live at Mountreaux 1982 & 1985 (2004)
Live Alive (1986)
In Step (1989)
Family Style (1990)
The Sky is Crying (1991)
In The Beginning (1992)
Live at Carneggie Hall (1997)
Blues at Sunrise (2000)
SRV – Boxset (2000)
In Session – with Albert King (2000)
Live at Montreaux 1982 & 1985 (2001)

(Ernesto Wenth Filho)

Jeff Healey

2009-06-22T09:16:00.000-07:00

Vamos lá com mais uma Biblioteca do Rock, desta vez com Norman Jeffrey Healey, guitarrista canadense, nascido em Toronto, em 25 de março de 1966 e que pode ser considerado, sem “sombra de dúvida”, um homem lutador, um homem que com todas as dificuldades que a vida lhe impôs conseguiu alcançar o “sucesso”, ou seja, fazer aquilo que gosta, aquilo que ama!

Jeff Healey foi um bebê adotado por Yvonne e Bud Healey que com 01 ano de vida descobriram que ele tinha uma doença chamada de retinoblastoma, um câncer na retina que lhe tirou a visão logo cedo. No Natal de 1969, quando tinha 03 anos, ele ganhou de seus pais um violão e naturalmente começou a tocar com o instrumento deitado em suas pernas. Com 06 anos de idade já tocava e cantava muito bem, era considerado por muitos como um menino “prodígio”! Durante a adolescência tocou em bares e clubes de Toronto e aprendia mais sobre música ouvindo seus ídolos. Nesta época tocava de tudo: jazz, country, reggae, heavy metal, rock e blues. Com 15 anos, no colégio, ajudou a organizar um grupo chamado de “Blues Directions”, onde tocava guitarra e trompete em concertos locais de jazz!

Em 1985, com 19 anos, gravou um vídeo independente chamado “Adrianna” e um amigo ligado ao meio musical convenceu o lendário guitarrista Albert Collins a deixar Jeff tocar com ele durante uma apresentação no Albert Hall de Toronto. Collins ficou impressionado com a técnica e com a emoção que Jeff tocava e o convidou para dali a alguns dias tocar junto com ele e Stevie Ray Vaughan no mesmo teatro. Pronto! Rapidamente Jeff Healey virou notícia e chamou a atenção da indústria da música e no ano seguinte, em 1986, durante a Expo Vancouver, tocou junto com B.B. King!! Foi nesta mesma época (85-86) que Jeff conheceu o baterista Tom Stephen e o baixista Joe Rockman, formando a “The Jeff Healey Band”.

Em 1988, a gravadora Arista Records se interessou pela sua música e o 1º álbum foi lançado: “See The Light”. Com composições próprias e regravações de ZZ Top e Freddy King o disco vendeu mais de 300.000 cópias só no Canadá e nos Estados Unidos ganhou disco de platina, o que corresponde a vendagem de 1 milhão de cópias!! A partir daí não parava de dar entrevistas e até em filme de Hollywood participou (“Matador de Aluguel”, com Patrick Swayze) tocando guitarra dentro de uma gaiola em um bar de beira de estrada! O próprio Jeff Healey disse: “... depois do lançamento de “See The Light” foram dois anos de uma turnê sem fim, com entrevistas para a TV, rádio e jornais, e ainda fizemos turnês com ZZ Top, Little Feat, Ringo Starr, Bob Dylan, Bonnie Raitt e muitos outros!”

Passado um pouco o “furacão” da fama, em 1990 foi lançado o disco “Hell to Pay” que teve a participação de Mark Knopfler, George Harrison, Bobby Withlock e Paul Shaffer. Este é um dos álbuns mais adorados pelos fãs e também foi outro sucesso vendendo mais de 200.000 cópias no Canadá e atingindo mais de 2 milhões de cópias vendidas em todo o mundo!!
Em 1992, Jeff gravou “Feel This”, uma experiência misturando diversos ritmos como o blues, rock, baladas e rap, mas não atingiu o resultado esperado.

Após 03 anos de “molho”, em 1995, Jeff Healey lançou o disco “Cover to Cover”, uma releitura de clássicos do blues e do rock com músicas de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Credence Clearwater Revival, Beatles, Ottis Redding e outros. Acho este disco espetacular, vale a pena conferir!
Depois de “Cover to Cover” Jeff resolveu descansar e efetivar alguns projetos que tinha em mente como a criação de um programa de rádio na Toronto FM (91,1), o “CBC Radio Show” onde ele poderia apresentar a sua coleção de mais de 30.000 discos de vinil em 78 rotações! Também trabalhou para montar o bar chamado “Healey’s” onde desenvolveu sua outra paixão musical: o Jazz!! Lá, junto com a banda “The Jazz Wizards” (e quando não está viajando), Jeff toca com o seu trompete clássicos do Jazz das décadas de 20 e 30, principalmente músicas do seu ídolo Louis Armstrong!

O último álbum lançado por Jeff Healey foi “Get Me Some”, no ano 2000, e foi muito bem recebido pelos fãs que aguardavam o seu retorno e puderam ouvir as suas músicas e seu incomparável estilo de tocar e cantar!

No Brasil, Jeff já esteve tocando 03 vezes, em 1994, no Free Jazz Festival, em 1997, no Top Cat Blues Festival (Rio de Janeiro) e em 2002, no Credicard Hall (São Paulo) quando também tocou na mesma noite o guitarrista Robert Cray.

Ao contrário do que muitos produtores musicais canadenses disseram no início de sua carreira, Jeff Healey não é popular ou não atingiu o “sucesso” simplesmente por ser cego e por tocar guitarra de uma maneira diferente, a sua qualidade musical é indiscutível e o seu carisma é incomparável! Ele pode não ver o mundo como a maioria das pessoas, mas com certeza ele enxerga muito melhor, com o coração e a alma!

(Ernesto Wenth Filho)

Buddy Guy

2009-06-22T08:39:00.000-07:00

George “Buddy” Guy nasceu em 1936 na cidade de Lettsworth, no estado da Lousiana, nos EUA. Tinha cinco irmãos e seus pais eram Sam e Isabel Guy. Cresceu sob os conflitos da segregação racial onde banheiros, restaurantes e assentos de ônibus eram separados para brancos e negros. Com sete anos de idade Buddy “fez” a sua primeira “guitarra”, um pedaço de madeira com duas cordas amarradas com os grampos de cabelo de sua mãe. Com ela passava o tempo nas plantações e desenvolvia as suas “técnicas” musicais. Depois ele ganhou a sua primeira guitarra de “verdade”, um violão acústico Harmony que hoje se encontra no Hall da Fama do Rock and Roll, em Cleveland, nos EUA.

Em 1955, com 19 anos, Buddy trabalhava na Universidade Estadual da Louisiana, ganhando 28 dólares por semana. Nunca havia saído do estado quando em 1957 um amigo seu que era cozinheiro em Chicago foi visitá-lo e disse: “você precisa ir para Chicago tocar sua guitarra de noite e trabalhar de dia.” Guy se interessou pela proposta financeira, pois poderia ganhar em torno de 70 dólares por semana e quem sabe sair de noite para ver os mestres Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Little Walter e de “quebra” ainda aprender alguma coisa para tocar sua guitarra em casa.

Bem, em 25 de setembro de 1957 Buddy saiu de Lettsworth e chegou em Chicago. O choque foi grande, saindo do ambiente rural e chegando na metrópole totalmente urbana disse: “o quê vou fazer? que caminho seguir?”

Buddy arrumou um emprego e após alguns meses conseguiu uma audiência no 708 Club. Naquela noite chegou ao clube, num chevrolet vermelho, nada menos que Muddy Waters. Buddy foi servir sanduíche de salame para ele que perguntou: “você está com fome garoto?” , a resposta foi: “se você é Muddy Waters eu não estou mais com fome, encontrar você já me alimentou!”
Guy começou a tocar em bares de Chicago e seu estilo foi bem aceito, chamou a atenção. Gostava de tocar como B.B. King e atuar no palco como Magic Slim. Resolveu, então, enviar uma fita para a gravadora Chess Records, selo tradicional do blues que contava com artistas como Willie Dixon, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Little Walter e Koko Taylor. Em 1960 começou a fazer as guitarras das gravações destes grandes mestres da Chess. Era sempre o primeiro guitarrista a ser chamado pela gravadora!

Mas Buddy não estava satisfeito, pois fazia apenas o acompanhamento. Ele queria mais, ele podia mais, queria fazer suas próprias composições. Em 1967 gravou I left my blues in San Francisco, pela Chess Records.

Em 1968 foi para a Vanguard Records e gravou dois álbuns clássicos: A man and his blues e Hold that plane. A partir desta época seu estilo agressivo e selvagem de tocar, além de seu vocal rasgante, começaram a chamar a atenção de músicos do rock, principalmente os ingleses. Eric Clapton disse em 2005: “Buddy Guy foi para mim o que Elvis foi para muitos outros.”

Em 1970 Buddy inicia uma parceria com o gaitista Junior Wells e lança o disco Buddy and the Juniors. Em 72 sai Buddy Guy and Junior Wells play the blues, disco produzido por Eric Clapton, Tom Dowd e Ahmet Ertegum. Na minha opinião um dos melhores álbuns de Buddy, com clássicos do blues e composições próprias, num som límpido, simples e cru!

Em 1974 Guy se associa ao baixista dos Rolling Stones, Bill Wyman, que produz e toca no álbum ao vivo chamado Drinkin’ TNT ‘n’ Somkin’ Dynamite.

Até quase o final dos anos 80 sua carreira declinou e só voltou a decolar a partir de 1989 quando Buddy abriu o clube Buddy Guy Legends, em Chicago, considerado o lugar preferido da maioria dos artistas de blues para se apresentar. Em 1990 – 1991 Guy tocou junto com Eric Clapton no Royal Albert Hall, em Londres, num show somente de guitarristas. Esta participação lhe proporcionou um contrato com a Silvertone Records, onde ele gravou diversos álbuns, mas o primeiro foi Damn right, I’ve got the blues, de 1991, que contava com a participação especial de Eric Clapton, Jeff Beck e Mark Knopfler. O disco obteve um sucesso incomum para a cena do blues: ganhou disco de ouro, vendeu 500.000 cópias e também ganhou o Grammy!

Dois anos depois, em 1993, gravou Feels like rain e em 1994 Slippin’ in, ganhando o Grammy com os dois discos! O sucesso havia retornado com força. Foi um trabalho de persistência, como disse Buddy: “tinha colocado na minha cabeça que precisava continuar tocando, porque eu sentia que não tinha tido a chance de me expressar com minha guitarra e minha voz. Poucos haviam me ouvido, mas continuei tocando até que a chance veio com Damn right, I’ve got the blues e aí estourei! Acho que alguém me ouviu, lá em cima!

E assim veio em 1996 o disco ao vivo Live: the real deal, em 1998 Heavy love, em 2001Sweet tea, onde Buddy retornou ao blues de raízes, em 2003 Blues Singer e por último em 2005 Bring ‘Em in, onde Guy contou com a participação de Carlos Santana e John Mayer.
Esta é a breve história de Buddy Guy, uma lenda viva do blues, que influenciou Clapton, Hendrix e Vaughan, um guitarrista com um estilo agressivo, “quebrado”, “cortado”, com uma voz marcante e que sobreviveu ao insucesso devido, principalmente, à sua perseverança e fé nos seus ideais.

Salve Buddy!!!

(Ernesto Wenth Filho)

Tony Iommi

2009-06-16T12:41:00.000-07:00

Frank Anthony Iommi, mais conhecido como Tony Iommi, nasceu em 19 de fevereiro de 1948, em Birmingham, na Inglaterra. Conhecido hoje como um dos pais do heavy metal, Tony vivia no bairro de Aston, em Birmingham, cidade inglesa com muitas fábricas e conseqüentemente com muitos operários lutando por suas causas trabalhistas. Era uma época de muitos protestos e brigas de rua organizadas por gangues, que Tony viu e participou ativamente.

Como tinha descendência italiana, gostava muito de música e resolveu se dedicar aos estudos de guitarra para tentar sair do “mau caminho”, das confusões e dos protestos. Ao mesmo tempo que estudava guitarra, Tony também trabalhava em uma fábrica de chapas de metal em Birmingham onde uma prensa acabou cortando as falanges superiores de dois dedos de sua mão direita. O desespero “bateu”, pois o que Tony mais queria na vida era tocar guitarra e como era canhoto achou que não poderia nunca mais tocar e na verdade foi exatamente isso que os médicos disseram! Foi nesse momento que um amigo de Tony mostrou para ele um disco de Django Reinhardt, um músico belga e cigano que também havia sofrido um acidente e que tocava “muito”, apenas com dois dedos! Tony fica animado com a história e com criatividade começa a usar “tampinhas” de embalagens nos dedos “decepados” para tocar sua guitarra.

A primeira banda conhecida que Tony tocou se chamava The Rest e foi nela que acabou conhecendo o baterista Bill Ward. Os dois resolvem montar a banda Mithology, que mais tarde passou a se chamar Rare Bread. Nesta época, atendendo a um anúncio de jornal de uma banda que procurava por um guitarrista e um baterista Tony e Bill se apresentam e lá encontram John Michael (Ozzy) Osbourne (antigo desafeto de escola) e Geezer Butller, formando a banda Polka Tulk Blues Band, na verdade o embrião do heavy metal. O nome não combinava muito com o som e mais uma vez eles mudam, desta vez passando a se chamar Earth. Começam a fazer shows pela Inglaterra tocando por muito pouco dinheiro e por muita diversão, na verdade pelo simples prazer de tocar.

Neste período Tony sai da banda para tocar no até então desconhecido grupo Jethro Tull, numa única apresentação da música Song for Jeffrey, no especial dos Rolling Stones Rock & Roll Cirkus. Logo em seguida Tony volta para o Earth e como já existia outro grupo com esse mesmo nome eles são obrigados a mudar, desta vez em definitivo, para Black Sabbath. A inspiração para o nome veio do título de um filme de horror italiano.

Com a quantia “ridícula” de 600 libras e em três dias eles gravam o primeiro álbum chamado Black Sabbath, em 1969. O sucesso foi imediato: o disco ficou entre os dez mais da parada inglesa, junto com Beatles e The Who!

A seqüência do Black Sabbath foi uma série de álbuns de sucesso que viraram clássicos do heavy rock metal, caracterizados principalmente pelos riffs e solos de guitarra do mestre Tony Iommi.

Os seus solos podem ser melódicos ou bem agressivos, tender para o jazz ou para o blues, possuir uma técnica inquestionável e admirável, mas sem sombra de dúvida eles têm muito “feeling”, talvez devido às suas influências como: Jimi Hendrix, Muddy Waters, Count Basie, Joe Pass, John Coltrane, Django Reinhardt, Peter Green e muitos outros. Um belo exemplo que vale a pena ouvir são os dois solos da música Lonely is the world, do disco Heaven and Hell, que transmite muito sentimento, técnica apurada, agilidade e agressividade.

E os seus riffs tão falados? Bem, Tony Iommi é conhecido como o “Rei dos Riffs”, que são no mínimo brilhantes, precisos, criativos e inesquecíveis! Como não lembrar o ritmo alucinante da música Paranoid e a marcação forte e cerrada de War Pigs, as duas do disco Paranoid?

Tony Iommi, além de ser fiel e nunca ter deixado o Black Sabbath, já lançou dois discos solo: o primeiro no ano 2000 se chama Iommi e tem dez faixas com participações especiais nos vocais de David Grohl, Billy Corgan, Phil Anselmo, Henry Rollins e, é claro, Ozzy Osbourne. O segundo disco solo saiu em 2005 e se chama Fused, conta com Glen Hughes nos vocais (ex-Deep Purple) e Kenny Aronoff na bateria.

Taí, Tony Iommi, grande guitarrista, grande lutador, carregou o Black Sabbath nas costas nos momentos mais difíceis da banda e continua na “ativa” mandando ver nos riffs e solos de guitarra pelo mundo afora!

www.iommi.com

(Ernesto Wenth Filho)

Técnica

2009-06-15T10:04:00.000-07:00

Segundo o Aurélio técnica significa “maneira, jeito ou habilidade especial de executar ou fazer algo”, ou seja, para tocarmos temos que ter técnica, sendo assim é imprescindível fazer exercícios específicos para tocar bem acordes, escalas, arpejos, tapping, chord melody, comping...

Os exercícios deverão ser estudados beirando a exaustão, e como qualquer atividade física que requer agilidade, é preciso estar sempre treinando, com o intuito de manter a técnica, caso contrario você perderá gradativamente essa habilidade. Uma vez que certa técnica já está desenvolvida, o processo para mantê-la é mais simples, basta toca com freqüência, mas se você quiser aprimorá-la deverá dedicar mais alguns minutos ou até horas diárias, isso depende da sua meta, há pessoas que se contentam em fazer sextinas a 120 B.P.M. já outros querem chegar aos 160 B.P.M.

Um dos grandes problemas dos guitarristas e querer tocar rápido, o que não é nenhum problema, desde que consiga tocar limpo, a técnica é justamente conseguir executar as notas com clareza, sejam elas rápidas ou lentas. Chegar a certa velocidade depende de uma serie de fatores:

1º. Decore o exercício.

2º. Comece lento e com metrônomo (as notas dever ser escutadas com clareza uma a uma).

3º. Aumente a velocidade, não pule de 60 para 80 B.P.M., avance de 60 para 62 ou 63 B.P.M., se quando você chegar aos 120 B.P.M. estiver meio sujo, então deixe mais lento, é claro que sua mãe ou aquele colega que esta ouvido vai te achar fantástico, mas seja exigente com você, não admita erros, lembre-se você está desenvolvendo uma técnica e para isso exige disciplina. Caso contrário você será um super guitarrista sujo, experimente gravar o que estudou, ouça atentamente, repare se você está ouvindo todas as notas, seja seu próprio critico.

Outra coisa muito comum no meio “guitarristico” é a competição, que de certa forma é saudável quando ela se torna um estimulo ao estudo, mas é prejudicial quando você se auto subestima, acha que não é capaz porque aquele seu colega guitarrista já toca o mesmo tempo que você e consegue fazer coisa que você não consegue. Tenha em mente que cada pessoa tem uma capacidade de absorção, tem pessoas que tem facilidade em harmonia e dificuldades em escalas, já outras tem uma percepção aguçada mais tem dificuldades em ritmo.
Resumindo, não faça comparações, simplesmente descubra suas dificuldades e dedique-se um pouco mais.
Até a próxima abraços.

Blues em Mi

2009-05-26T15:16:00.000-07:00

Do Mixolídio

2009-05-26T12:38:00.000-07:00

Artigos

2009-05-25T09:21:00.000-07:00

Guitarristas que marcaram a história

Estudar

Técnica

Guitarristas que marcaram a história

2009-05-25T09:10:00.000-07:00

Rock

Estudar

2009-05-25T08:51:00.000-07:00

Vou começar pelo ponto principal, estudar tem que ser prazeroso, você não pode esquecer que ninguém te obriga a estudar guitarra, foi uma opção feita por você. Tocar e estudar tem que ser algo interessante. Se você acha terrível e torturante fazer pestana, tocar escalas, tentar entender formação de acordes e intervalos, talvez tenha alguma coisa errada. O que ocorre na maioria das vezes, é que você esta estudando de maneira errada, sem objetivos, sem acompanhamento de um professor qualificado.

Muitas horas seguidas de estudo podem também o deixar desanimado e até frustrado, o que é muito comum, mas isso se resolve dando uma paradinha... respire.... tente relaxar um pouco, dê uma volta, tome uma água, coma uns fandangos, faça algo que não seja tocar.

É muito importante uma rotina de estudo, estipule alguns minutos para treinar técnica, harmonia, improvisação, teoria, fazer transcrições, percepção, rítmica... Faça pausas a cada 45min de estudo, para você não se enfadar.

A recompensa desse processo todo é gratificante, tocar aquela música ou frase que antes parecia quase impossível, improvisar usando varias escalas que te dava um nó na cabeça, entender as funções harmônicas que parecia super complicado. Ou seja, o prazer de perceber a própria evolução.

Então é isso ai e mãos a obra.

Voltar a página inicial

Playbacks (Transcrições)

2009-05-18T11:42:00.000-07:00

Paranoid (Black Sabbath)

Smock on the water (Deep Purple)

Stairway to heaven (Led Zeppelin)

Sweet child o mine (Guns n´rose)

Johnny B. Good (Chuck Berry)

Sweet child o mine (Guns n´rose)

2009-05-18T11:30:00.000-07:00

Stairway to heaven (Led Zeppelin)

2009-05-18T11:29:00.000-07:00

smoke on the water (Deep Purple)

2009-05-18T11:28:00.001-07:00

Paranoid (black sabbath)

2009-05-18T11:27:00.000-07:00

La mixolídio

2009-05-15T09:43:00.000-07:00

2009-05-15T09:23:00.000-07:00

Rock em Cm
Rock em Dm
La mixolídio
Do mixolídio
Blues em Mi
Dm - Escala menor natural

Rock em Dm

2009-05-15T09:17:00.000-07:00

Rock em Cm

2009-05-15T09:11:00.001-07:00

Jeff Beck

2009-05-15T05:25:00.000-07:00

Jeff Beck - Where were you

Click na imagem para baixar o CD

Jeff Beck (Geofrey Arnold Beck, nascido em 24 de junho de 1944) é um guitarrista britânico que tocou em várias bandas influentes dos anos 60.
Assim como muitos músicos de sua época, Beck começou a trabalhar como guitarrista de sessão. Em 1965 ele entrou para o Yardbirds (depois que Eric Clapton deixou o grupo). Dezoito meses depois ele também sairia, principalmente por problemas de saúde. Beck passou os anos seguintes tentando obter algum sucesso com sua The Jeff Beck Band (Jeff Beck - guitarra, Rod Stewart - vocais, Ron Wood - baixo, Nicky Hopkins - piano e Micky Waller - bateria), embora os álbuns vendessem bem suas músicas não eram muito comerciais, só conseguiu reconhecimento com o grande público ao gravar em 1975 o álbum Blow by Blow em carreira solo.
Uma característica marcante de seu trabalho é o fato de ele não trabalhar sempre com o mesmo estilo musical, optando por uma fusão de estilos que vão desde o jazz ao rock and roll com um toque pessoal.
Recentemente uma rádio fez uma pesquisa mundial com uma série de críticos e Jeff Beck foi considerado o 4º maior e mais influente guitarrista do rock.

2009-05-14T15:10:00.001-07:00

Jimi Hendrix
Jeff Beck
Joe Satriani
Eddie Van Halen

2009-05-14T15:01:00.000-07:00

Cds indispensáveis
Playbacks
Playbacks (transcrições)

Jimi Hendrix

2009-05-14T14:13:00.000-07:00

Jimi Hendrix - Are you experienced

Click na imagem para baixar o CD

1967 viu o lançamento do primeiro álbum do grupo, Are You Experienced?, cuja mistura de baladas ("Remember"), pop-rock ("Fire"), psicodelia ("Third Stone from the Sun"), e blues tradicional ("Red House") seria uma espécie de amostra de seu trabalho posterior. O álbum fez muito sucesso, que só não alcançou o número 1 porque foi barrado pelo Sgt Peppers Lonely Heart Club Band dos The Beatles. O álbum é considerado por muitos o melhor debut álbum de todos os tempos, e foi eleito o quinto álbum mais importante da era do rock pela VH1 em 2001, além de estar em décimo quinto lugar na lista da revista Rolling Stones na categoria 500 Greatest Albums Of All Time (tradução livre: Os 500 melhores álbuns de todos os tempos). Outra edição da revista, publicada anos anteriormente em 1987, consagrou o álbum sendo o quinto na categoria Melhores Álbuns dos últimos 20 anos. O álbum está também incluso no livro 1001 Álbuns para você ouvir antes de morrer.

Hendrix foi levado para o hospital com queimaduras depois de pôr fogo em sua guitarra pela primeira vez no Astoria Theatre, em Londres, em 31 de março daquele ano. Ele foi posteriormente advertido pelo administrador do Rank Theatre management para controlar suas exibições no palco depois de danificar os amplificadores e outros equipamentos no palco.

Com o forte apelo de Paul McCartney, integrante do "Festival Pop de Monterey" (Monterey Pop Festival), o Jimi Hendrix Experience foi agendado para apresentar-se naquele festival, e o concerto, onde ficou notória a imagem de Hendrix pondo fogo e quebrando sua guitarra, foi imortalizado pelo cineasta D.A. Pennebaker no filme Monterey Pop. O festival de Monterey foi um triunfante retorno. E foi seguido de uma abortada apresentação de abertura para o grupo pop The Monkees, em sua primeira turnê americana.

Os Monkees pediram a presença de Hendrix simplesmente por serem seus fãs. Infelizmente, porém, a sua platéia predominantemente adolescente não se interessou pelas bizarras apresentações de Hendrix no palco, e ele abruptamente interrompeu a digressão depois de algum tempo, exatamente quando "Purple Haze" começava a estourar nas paradas norte-americanas. Chas Chandler mais tarde admitiu que ter "caído fora" da turnê dos Monkees foi planejado para ganhar o máximo de impacto de mídia e de afronta para Hendrix. Na época, circulou uma história afirmando que Hendrix tinha sido retirado da digressão devido a reclamações de que sua conduta no palco era "lasciva e indecente", reclamações estas que teriam sido feitas pela organização conservadora de mulheres Daughters of the American Revolution. De fato, a história era falsa: a coisa foi forjada pela jornalista australiana Lillian Roxon, a qual acompanhava a turnê junto com o namorado e cantor Lynne Randell, outro coadjuvante. A afirmação foi zombeteiramente repetida na famosa Rock Encyclopedia de Roxton em 1969, porém mais tarde ela admitiu que a coisa foi fabricada.

Enquanto isso, de volta à Inglaterra, sua imagem de "selvagem" e de cheio de recursos para chamar atenção (tal como tocar a guitarra com os dentes e com ela às costas) continuava a trazer-lhe notoriedade, apesar de ele ter começado a se sentir mais e mais frustrado, devido à concentração da mídia e das platéias em suas atuações no palco e em seus primeiros sucessos, e pela crescente dificuldade em ter suas músicas novas também aceitas.

1967 também viu o lançamento do seu segundo álbum. Axis: Bold as Love continuou o estilo estabelecido por Are You Experienced, com faixas como Little Wing e If 6 Was 9 mostrando a continuidade de sua habilidade com a guitarra. No entanto, um percalço quase impediu o lançamento do álbum — Hendrix perdeu a fita com a gravação master do lado 1 do LP depois de acidentalmente tê-la esquecido num táxi. Com a proximidade do prazo fatal de lançamento, Hendrix, Chandler e o engenheiro de som Eddie Kramer foram forçados a fazer às pressas uma remixagem a partir das gravações multi-canais, o que eles conseguiram terminar numa verdadeira maratona noturna. Esta foi a versão lançada em dezembro de 1967, apesar de Kramer e Hendrix mais tarde terem dito que nunca ficaram totalmente satisfeitos com o resultado final.

Links

2009-05-05T14:20:00.000-07:00

Polissom C.E.M.

Ministério de Música - Reciclando a visão

David Gilmour

2009-05-04T11:54:00.000-07:00

Hoje falarei de um Cavaleiro da Ordem do Império Britânico, título concedido a poucos pela Rainha da Inglaterra e conquistado por David Jon Gilmour devido a seus trabalhos na música e principalmente pela sua luta contra a pobreza e a miséria no mundo.

David Jon Gilmour nasceu em 06 de março de 1946, em Cambridge, na Inglaterra. Filho de Douglas e Sylvia Gilmour, aos treze anos de idade ganhou o seu primeiro violão. Freqüentava o Colégio de Artes e Tecnologia de Cambridge quando conheceu Roger Keith Barrett e juntos tiveram aulas de violão e ficaram amigos.

Em 1963, David e alguns amigos formaram a banda “Joker’s Wild”, gravando um disco com cinco faixas e vendendo 100 cópias para os amigos. Nesta mesma época o amigo Roger Keith “Syd” Barrett formou, junto com Roger Waters, Richard Wright e Nicholas Mason, a banda “Pink Floyd”.

Em 1967 a banda de Gilmour passou a se chamar “Flowers” e fizeram shows pela Europa. No mesmo ano ela acabou e David montou o grupo “Bullit”.

Em 1968 David é convidado a fazer parte da banda de seu amigo de escola Syd Barrett, a Pink Floyd. Juntos, Syd, David, Roger, Nich e Rick fizeram cinco apresentações quando, devido a problemas mentais, Syd Barrett tem que deixar o grupo e Gilmour assume os vocais, além da guitarra.

Em junho de 1968 o primeiro álbum do Pink Floyd com David Gilmour é lançado e se chama “A Saucerful of Secrets”. No mesmo ano a banda gravou o áçbum “More” que é a trilha sonora de um filme francês. “Ummagumma” foi o próximo lançamento junto com “Zabriskie Point”, trilha sonora do filme com o mesmo nome, do diretor Michelangelo Antonioni.

O início da década de 70 foi muito importante para David Gilmour dentro do Pink Floyd, afinal sua posição como vocalista principal estava definida e sua influência como compositor era cada vez maior. Em 1970 saiu o disco “Atom Heart Mother” e em 1971 o álbum “Meddle” com a famosa música “Echoes”. Nesta época o interesse do público e da crítica dos EUA pelo Pink Floyd aumentaram consideravelmente e em 1973 é lançado “Dark Side of The Moon” firmando o grupo como uma das mais importantes bandas na história do rock! Este disco está em catálogo até hoje e é o terceiro disco de maior vendagem de todos os tempos!

Em 1975 começaram as gravações do disco “Wish You Where Here”, cujas composições traziam críticas à indústria fonográfica além de tecer comentários e elogios ao amigo Syd Barrett. Foi um sucesso de vendas como o álbum anterior.

No início de 1977 o Pink Floyd lançou o disco “Animals”, desta vez criticando a sociedade como um todo. Foi neste período, em 1978, que Gilmour lançou seu primeiro disco solo intitulado “David Gilmour”. Junto com ele estavam Rick Willis no baixo e Willie Wilson na bateria. Ao ouvir este disco (que é muito bom!) a associação com o Pink Floyd é inevitável e, inclusive, foi durante estas gravações que David mostrou aos seus amigos uma nova melodia que mais tarde seria o sucesso “Comfortably Numb”, do álbum “The Wall”, do Pink Floyd, lançado em 1979.
Depois de “Animals” o Pink Floyd já estava “dominado” por Roger Waters que tratava os outros integrantes da banda como empregados e Gilmour nunca aceitou isso! O exemplo desta situação foi o disco “The Final Cut”, lançado em 1983 e totalmente criado por Roger Waters que não aceitava a ajuda de mais ninguém, tornando a convivência entre eles quase impossível.

No ano de 1984 David lança seu segundo disco solo chamado “About Face”, onde dizem que a música “Murder” é um desabafo dele em relação ao assassinato de John Lennon.

Em 1985 Roger Waters deixa a banda e comunica que o Pink Floyd acabou. Neste momento Gilmour utiliza suas idéias para um terceiro disco solo e chama Richard Wright, Nick Mason e mais alguns músicos para fazer gravações com a intenção de manter o nome Pink Floyd e lançar mais um álbum.
A situação acaba em “pendenga” judicial com Roger Waters que não queria permitir o uso do nome da banda. Mas a vitória foi de David e em 1987 foi lançado “A Momentary Lapse of Reason”, mantendo o nome Pink Floyd e trazendo novamente o equilíbrio entre a música e as letras, como citou Gilmour na época.

Uma turnê deste disco resultou no lançamento do álbum duplo ao vivo “Delicate Sound of Thunder”, de 1988. Em 1994 veio “The Division Bell” e em seguida uma turnê que propiciou a gravação de “Pulse”, álbum duplo ao vivo e que recentemente foi lançado em DVD.

Em 2005 aconteceu o que poucos esperavam: durante o Live 8 (movimento mundial contra a miséria), no Hyde Park, em Londres, o Pink Floyd se reuniu novamente e Roger Waters e David Gilmour dividiram o palco levando o público ao delírio com os clássicos da banda.

Bem, hoje David Gilmour já está com seu terceiro disco solo chamado “On An Island”, que foi lançado em março deste ano (2006) e continua conquistando fãs por todo o mundo com suas músicas, com sua voz e principalmente com sua guitarra e seus solos, que muitos dizem não ser rápidos mas será que isso importa? Seus solos estão acima da rapidez do mundo de hoje, pois são sensíveis, precisos, limpos, puros e cativantes. O seu estilo é inconfundível, é uma marca registrada, você ouve e diz: é o David Gilmour!! E basta!!

(Ernesto Wenth Filho)

Aguarde!!!

2009-05-04T11:44:00.001-07:00

Lições

2009-05-04T11:33:00.001-07:00

Abertura fatal
Pedal point
Padrões melódicos
Tríades com brinde...
E agora, quem poderá nos defender...?
Fontes inspiradoras
Blues
Blues ou Jazz?
Amigo pattern - mixolídio
O que fazer para não matar o vizinho
Escala menor melódica
Fortalecendo os músculos
Escala menor (modo Eóleo)

Pedal point

2009-05-04T11:15:00.000-07:00

Olá pessoal, o assunto de hoje é pedal point, que nada mais é do que criar uma melodia em volta de uma nota que se repete, exemplo disso é você tocar do, re, mi, fa e entre cada uma delas tocar um sol, então ficaria: sol, do, sol, re, sol, mi, sol, fa, sol. Pedal point era usado muito na musica barroca, um exemplo disso é a musica “capricho numero 2” de Nicolo Paganini. Essa idéia foi muito explorada pelos guitarristas de classic rock na década de 80. Para que seu pedal point soe “verdadeiro”, devemos tocar uma quartina com a 2ª e a 4ª nota com nota pedal (exemplo nº2), já no caso da tercina ela aparecera, no primeiro tempo, na 2ª colcheia, no segundo tempo na 1ª e 3ª colcheia (exemplo nº1). Os exerc´cios estão sobre a escala de DO maior, no Nº1 repare que a nota pedal vai mudando a cada compasso, no Nº2 são quatro notas por tempo. Agora é só pegar o metrônomo e muita prática.

Click na imagem

2009-05-04T08:53:00.000-07:00

Voltar

Padrões Melódicos

2009-05-01T11:49:00.000-07:00

Olá galera, nessa aula abordarei um assunto que muitas vezes acaba sendo estudado superficialmente, trata-se dos padrões melódicos. Esses exercícios estão sobre a escala pentatônica de C maior / A menor. O exercício num. 1 é um padrão melódico em tercinas (3 notas por tempo), o num. 2 em duínas (2 notas por tempo), repare que o padrão melódico é o mesmo, porem, antes era tocado 3 notas por tempo agora será 2, deixando assim o padrão melódico soando diferente. O num 3 será em quartinas (4 notas por tempo), e por fim o num 4 que será em sextina (6 notas por tempo). Coloquei somente a ida, a volta é por sua conta, bom trabalho até a próxima.

2009-04-28T14:31:00.000-07:00

Jimi Hendrix
Ritchie Blackmore
David Gilmour
Tony Iommi
Buddy Guy
Jeff Healey
Stevie Ray Vaughan
Jeff Beck

Ritchie Blackmore

2009-04-27T12:53:00.000-07:00

Tá chegando mais um inglês na área: Richard Hugh Blackmore, mais conhecido como Ritchie Blackmore, nasceu em Weston-Super-Mare, na Inglaterra, em 14 de abril de 1945 e ficou mundialmente famoso ao criar e participar da banda Deep Purple e do grupo Rainbow.

Quando Ritchie tinha dois anos de idade seus pais mudaram para a cidade de Heston e ao completar dez anos seu pai lhe deu um violão, começando então a aprender violão clássico. No início ele não tinha talento e demorava muito para aprender, fazendo com que seu pai perdesse a paciência e aos 13 anos ele ouviu: “...se você não progredir com as aulas vou quebrar este violão na sua cabeça.”

Ritchie evoluiu e no início dos anos 60 tocou em algumas bandas como Heinz & Wild Boys, Screaming Lord (por onde passaram Alice Cooper, Jimmy Page e Tom Jones) e The Outlaws.

Em abril de 1968, junto com Rod Evans (vocal), Nick Simper (baixo), Jon Lord (teclados) e Ian Paice (bateria), Ritchie fundou a banda Deep Purple, nome dado em homenagem à avó dele que gostava de uma música com esse mesmo nome. Desta época vale a pena conferir o disco Shades of Deep Purple, único com esta formação e com clássicos do rock como Hush, de Joe South, que se tornou o primeiro sucesso da banda, além de músicas como Hey Joe de Jimi Hendrix e Help dos Beatles.

Logo em seguida, em 1969, Rod e Nick deixam a banda para a entrada de Ian Gillan nos vocais e Roger Glover no baixo. A “química” entre Blackmore e Gillan é perfeita e o primeiro álbum é lançado, chamado In Rock traz um som mais pesado, revolucionando o estilo da banda. Ritchie disse, na época, que o vocal de Gillan era como gritos profundos com uma pegada blues. Deste disco é impossível não citar as músicas Speed King e Black night. Em 1971, depois de terminada uma turnê nos EUA junto com o grupo The Faces (Rod Stewart), a banda lança o álbum Fireball.

Mas é em 1972 que a banda lança o disco Machine Head, considerado até hoje um dos maiores e melhores discos de rock de todos os tempos. Clássicos como Smoke on the water, Space truckin’, Lazy e Highway star levaram o disco ao topo das paradas tanto nos EUA como na Inglaterra. O álbum foi gravado no estúdio móvel dos Rolling Stones, em Montreaux, na Suíça. A idéia original era gravar em um cassino, também em Montreaux, mas na noite anterior da gravação houve um show do Frank Zappa (com o Deep Purple na platéia) onde alguém do público soltou um sinalizador provocando um incêndio que destruiu o local. Foi deste episódio que saiu a letra de Smoke on the water, música que tem o riff de abertura considerado por muitos como o mais distinto e original já gravado.

A seqüência de Machine Head foi uma turnê de 44 semanas que resultou no disco ao vivo Made in Japan, lançado em 1973. Neste mesmo ano saiu o álbum Who do we think we are? e também saíram da banda Ian Gillan e Roger Glover, entrando David Coverdale nos vocais e Glen Hughes no baixo.

Em março de 74 esta formação lançou o disco Burn no qual o virtuosismo instrumental de Blackmore alcançaria um de seus pontos mais altos. Foi também neste ano que a banda participou, junto com Eagles, Black Sabbath e outros, do Califórnia Jam, um concerto transmitido pela TV que foi notório pelo seguinte fato: no momento do Deep Purple se apresentar Ritchie Blackmore se trancou no camarim recusando-se a subir no palco porque teria que tocar antes do horário combinado, o que atrapalharia os efeitos luminosos preparados pela banda. O canal ABC, que estava transmitindo ao vivo, chamou o xerife da cidade para levar Ritchie preso e então ele teve que subir no palco. Entretanto, durante o show, com muita raiva ele quebrou uma das câmeras que filmavam o evento e logo em seguida a sua pilha de amplificadores explodiu queimando o palco!

Após o susto, ainda em 74, foi lançado o álbum Stormbringer que atingiu a 20ª posição na parada americana.

Em abril de 1975 Ritchie deixou o Deep Purple por não concordar com as tendências musicais dos outros músicos e acabou criando o grupo Rainbow, com Ronnie James Dio (vocais), Craig Gruber (baixo), Gary Driscoll (bateria) e Mickey Lee Soule (teclados). O som do Rainbow era diferente, suas melodias eram inspiradas na era medieval e as letras de Dio falavam de castelos, reis e espadas. O primeiro álbum lançado foi Ritchie Blackmore’s Rainbow, depois veio Rainbow rising e On stage, disco ao vivo já com Cozzy Powel na bateria.

Em 1978 Dio deixa o Rainbow para assumir os vocais no Black Sabbath e Ritchie troca toda a banda chamando o vocalista Graham Bonnet, o ex-Deep Purple Roger Glover no baixo e Don Airey nos teclados, resultando no álbum Down to earth, produzido por Roger Glover, que foi o responsável por sucessos como All night long e Since you been gone. Esta formação ainda participou do primeiro Monsters of Rock, realizado no Castelo de Donington, na Inglaterra.

Em Difficult to cure, de 1981, mais mudanças: saiu Cozzy Powel e entrou Bobby Rondinelli na bateria e entrou Joe Lynn Turner nos vocais no lugar de Bonnet. O som da banda ficou mais comercial e começou a perder fãs. Em 84 Ritchie e Glover foram convidados a voltar para o Deep Purple e em 1985 foi lançado o disco Perfect strangers com a formação original: Ian Gillan (vocais), Ian Paice (bateria), Jon Lord (teclados), Roger Glover (baixo) e Ritchie Blackmore (guitarras). O retorno foi um sucesso, com uma turnê iniciada na Nova Zelândia e um único show na Inglaterra, para mais de 80 mil pessoas!

Em 1989, devido a “diferenças musicais” Ian Gillan deixa o grupo e Ritchie chama o ex-Rainbow Joe Lynn Turner para os vocais, lançando o disco Slaves & Masters, em 1990, e dividindo opiniões entre os fãs do Deep Purple. Mesmo assim Ritchie disse que o disco havia sido o melhor trabalho do Rainbow que o Deep Purple poderia ter feito!

Em 1993, Ian Paice e Jon Lord convencem Blackmore a chamar Ian Gillan novamente e assim gravam o álbum The battle rages on que tem um dos melhores arranjos da banda, a faixa título The battle rages on. Durante a turnê deste disco a relação entre Gillan e Blackmore chega ao limite e Ritchie abandona o grupo e promete nunca mais voltar! A conclusão da turnê no Japão foi feita pelo guitarrista Joe Satriani e depois quem assumiu de forma definitiva a guitarra foi Steve Morse.

Ritchie ainda voltou com o Rainbow que durou até 1997, quando conheceu a vocalista Candice Night e montou a banda Blackmore’s Night, lançando o álbum Shadow of the moon. Candice, além de ser cantora lírica tornou-se companheira de Ritchie e estão juntos até hoje com o Blackmore’s Night, fazendo música de estilo renascentista!

Polêmico, problemático, excêntrico, maluco, chato, lunático, competente e profissional. Estes são alguns dos adjetivos que se aplicam a Ritchie Blackmore, que em seu site cita seus guitarristas preferidos: Jeff Beck e Eric Johnson e também cita os solos de guitarra favoritos: Stone free (Hendrix), Shapes of things (Jeff Beck), I feel free (Clapton), Bye Bye Blues (Les Paul) e Too much (Elvis e Scotty Moore na guitarra).
Valeu!!!

(Ernesto Wenth Filho)

Jimi Hendrix

2009-04-27T12:48:00.000-07:00

Nascido como Johnny Allen Hendrix, depois passando a se chamar James Marshall Hendrix e finalmente conhecido por todo o mundo como Jimi Hendrix, podemos dizer que este homem é uma das maiores, senão a maior lenda da guitarra e do rock mundial.

Filho de James Allen Hendrix, um jardineiro negro, e de Lucille Jeter, filha de uma índia Cherokke, Jimi nasceu nos Estados Unidos, em Seattle, Washington, em novembro de 1942.
Cresceu numa família com problemas, seus pais brigavam muito e acabaram se divorciando em 1951, quando então Jimi foi praticamente criado por sua avó Cherokke.
Em 1958, quando Jimi tinha 16 anos, sua mãe morreu e foi neste ano que seu pai lhe deu o primeiro instrumento musical, um violão de segunda mão, comprado por cinco dólares. Iniciava-se ali a brilhante carreira musical de Jimi Hendrix, que formou sua primeira banda chamada The Velvetones, que durou apenas três meses.
Depois de ver que o filho tinha habilidade com o violão, no verão de 1959, Al Hendrix comprou uma guitarra elétrica para Jimi, que foi tocar com o grupo The Rocking Kings.
Em 1961 Jimi se alistou no exército indo para a divisão de pára-quedistas de Fort Campbell, onde conheceu Billy Cox, que era baixista, e formou a banda The King Casuals. Ficou no exército por aproximadamente um ano, quando foi dispensado após fraturar o tornozelo depois de um salto de pára-quedas. Começou então a trabalhar como guitarrista de estúdio, com o nome de Jimi James. Neste período, que durou até 1965, Jimi trabalhou com diversos artistas do soul e do blues, como Little Richard, Isley brothers, B.B. King, Ike e Tina Turner, Sam Cooke e Curtis Knight.
Em 1966, Jimi resolve montar sua própria banda, a Jimmy James and The Blue Flames, que tinha na guitarra base Randy California e Jimi fazendo os solos. Em Nova Iorque consegue um contrato para ficar tocando numa casa chamada Cafe Wha?. Lá conheceu e trabalhou com Jeff Baxter (que mais tarde tocou nos grupos Steely Dan e Dobbie Brothers) e também conheceu Frank Zappa que tocava em outra casa, no mesmo bairro do Cafe Wha? Aliás, foi Frank Zappa que apresentou a Jimi o recém criado pedal wah-wah, que Hendrix soube usar com maestria e criatividade em suas músicas que estavam por vir.
Também foi no Cafe Wah? que Jimi foi descoberto por Chas Chandler, baixista do grupo britânico The Animals, durante uma de suas apresentações. Naquela noite Chandler ficou impressionado com Jimi e o levou para a Inglaterra ajudando-o a formar uma nova banda, a The Jimi Hendrix Experience, com Mitch Mitchell na bateria e Noel Redding no baixo. Após algumas apresentações em Londres o nome de Jimi Hendrix era falado por todos os cantos do cenário musical, atraindo fãs como Eric Clapton, Jeff Beck, Beatles e The Who.
Através da Track Records, selo do The Who, foi gravado e lançado o primeiro single da banda de Jimi, Hey Joe, que ficou dez semanas na parada inglesa, atingindo a sexta posição nas dez mais!
Logo em seguida, em 1967, Jimi gravou seu primeiro disco intitulado Are you experienced?, considerado um dos mais populares discos de rock de todos os tempos, com músicas que hoje são clássicas como Purple haze, Fire, Foxey lady, Wind cries Mary e a faixa título Are you experienced?.
Com o sucesso, em junho de 1967, Hendrix foi convidado a participar do Monterey Pop Festival, nos Estados Unidos, e lá a The Jimi Hendrix Experience incendiou o público e Jimi literalmente incendiou e quebrou a sua guitarra, sendo que essas imagens foram imortalizadas no filme Monterey Pop, do cineasta D.A. Pennebaker.
Ainda em 1967, foi lançado o segundo álbum da banda chamado Axis: bold as love, com faixas como Little Wing e If 6 was 9, que mostravam a sensibilidade e a maestria de Jimi com a guitarra. Já neste disco Jimi demonstrava seu interesse, preocupação e perfeccionismo nas gravações em estúdio e aonde estivesse levava equipamentos de gravação registrando suas idéias e jams com os amigos em fitas. A busca pela perfeição nas gravações, a liberdade para criar e o retorno para os Estados Unidos fizeram com que Jimi iniciasse a construção de seu próprio estúdio, o Eletric Lady Studios, em 1968, em Nova Iorque. O estúdio só foi concluído em 1970, mas a idéia foi o embrião do próximo disco chamado Eletric ladyland, o mais experimental e eclético de todos os seus discos com uma jam-session espetacular na música Voodoo chile, que tinha Jack Casady no baixo e Steve Winwood nos teclados. O disco trazia ainda a regravação de All along the watchtower, de Bob Dylan, na versão mais conhecida de todos os tempos desta música.
Nesta época o envolvimento de Jimi com as drogas não era pequeno e as conseqüências também não, ele já havia sido preso na Suécia por destruir um quarto de hotel e as gravações do álbum Eletric ladyland foram muito conturbadas fazendo com que o produtor Chas Chandler deixasse a equipe. Na seqüência, já no ano de 1969, o relacionamento com a banda também ficou difícil e a Jimi Hendrix Experience acabou.
No verão deste mesmo ano (1969) Jimi montou outra banda, a Gypsy Suns and Rainbows, que trazia o amigo Billy Cox no baixo, Mitch Mitchell na bateria, Larry Lee na guitarra base e Jerry Velez e Juma Sultan na percussão. Foi este grupo que se apresentou no Festival de Woodstock, em agosto de 1969, onde Hendrix fez a famosa e polêmica interpretação do hino nacional americano, a Star spangled banner. A banda acabou logo e em 1970 Jimi formou o grupo Band of Gypsys, ainda com Billy Cox no baixo e agora com Buddy Miles na bateria, fazendo shows memoráveis que foram gravados ao vivo e posteriormente foi feita uma seleção das músicas destas apresentações que originaram o álbum Band of gypsys, lançado ainda em 1970.
Jimi não gostou muito da performance de Buddy Miles e durante uma apresentação no Madison Square Garden tocou duas músicas e antes de ir embora disse ao público: “desculpem por não conseguirmos nos entender”.
Novamente Mitch Mitchell voltou para a bateria e junto com Billy Cox no baixo, Jimi gravou novas músicas para o seu próximo disco chamado de First rays of the new rising sun.
Em agosto de 1970 Jimi ainda participou do Festival da Ilha de Wight, na Inglaterra e depois no Festival de Fehmarn, na Alemanha, voltando em seguida para a Inglaterra.
No dia 18 de setembro de 1970, em Londres Jimi toma nove pílulas para dormir e é encontrado desacordado e asfixiado pelo próprio vômito, no quarto de um hotel, pela namorada alemã Monika Danneman. Ela chama uma ambulância que leva Jimi para o hospital, onde ele acaba morrendo mais tarde. Seu corpo foi levado para os Estados Unidos e enterrado em Renton, no Estado de Washington.
Foram cinco anos como músico, vividos com muita intensidade, com muita criatividade, com muita dedicação e com muito amor à música.
Jimi nos deixou um legado incomparável como músico, compositor, cantor, produtor e arranjador. E suas apresentações ao vivo foram explosivas e inesquecíveis, um verdadeiro showman, uma aula para qualquer um que goste de música.
Viva Jimi!!!

(Ernesto Wenth Filho)

Abertura fatal

2009-04-27T11:02:00.000-07:00

E aeee galera...

A aula de hoje é baseada novamente na escala pentatônica, dessa vez um conceito um pouco diferente, vamos forçar a abertura dos dedos, muitos guitarristas quando tocam as pentas acham mais confortável usar o dedo 3 ao invés do 4, o que dependendo da frase realmente é mais cômodo, mas nesse exercício proponho algo um pouco diferente, emendaremos 2 padrões, observe no quadro 1, o 5º padrão da escala pentatônica de G/Em emenda no 1º padrão; no quadro 2 repare que se tocarmos 3 notas por corda iremos repetir sempre a terceira nota que é a mesma da 1ª na corda de baixo. O exercício proposto é um padrão usando muito notas ligadas em que não se repete nenhuma nota, para soar interessante toque em um andamento rápido, o ideal é entre 120 a 160 BPM.

Padrões melódicos

2009-04-24T06:19:00.000-07:00

Aulas de Guitarra

2009-04-24T05:19:00.000-07:00